【美术简史课堂】意大利文艺复兴盛期的美术(16世纪上半叶)

2019-12-06浏览0
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  意大利文艺复兴盛期的美术,这段时期主要指15世纪末到16世纪中叶,是意大利文艺复兴的全盛时期。从15世纪中叶开始,佛罗伦萨开始失去它作为意大利经济、政治和文化的中心的地位,取而代之的是另一重要城市、教皇所统治的基督教首府—罗马。教皇为了重新确立罗马在基督教世界的统治地位,动用了大量资金重建罗马,并吸引了大批艺术家、思想家到罗马工作,在艺术上形成了以罗马为中心的罗马画派。


【美术简史课堂】意大利文艺复兴盛期的美术(16世纪上半叶)


  达·芬奇( Leonardo da vinci,1452-1519)是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一,他的天才不限于艺术,在数学、机械工程、医学、地质学等方面都有所反映。他出生于佛罗伦萨附近的一个叫芬奇的小镇,早年到佛罗伦萨,在委罗基奥的工场学习。达芬奇在这儿不仅学会了绘画雕刻的技巧,还热衷于科学研究。他的早期作品有和老师合作的《基督受洗》和自己完成的《天使领报》等。1482年达芬奇来到米兰,为米兰大公服务,他在这儿不仅完成了一些重要的美术作品,还在建筑、水利工程、军事技术和机械制造上作出了突出贡献。在米兰期间的重要作品有《岩间圣母》(1483-1493)和为圣玛丽亚修道院食堂所作的不朽之作《最后的晚餐》。在(岩间圣母》一画中,达·芬奇使用明确的几何结构来安排人物,即人物被框进了一个等腰三角形,而这个三角形的顶点就是玛利亚的头部,他的这一作法为当时盛行的金字塔形构图奠定了基础。同时他又用天使与婴儿来加重右下角的分量,并通过左上方的光源使整个画面得以平衡,像这样在复杂动态中取得平衡的手法为后世艺术家广泛运用。另外由于重叠山岩而显得柔和的光线不仅使形的塑造得以深入,也使整个形象具有了独有的诗意的光晕。《最后的晚餐》占满了修道院食堂大厅的整个墙面,达·芬奇挑选了一个关键时刻进行描绘。以耶稣为中心,左右各为两组人物,所有人的性格都生动地从他们的行动与手势中表达出来。


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  72耶穌处于正中央,在使每个人物均具有充分表现力的同时,不使画面凌乱、分散。在这幅画中,达·芬奇通过象征真理的耶和象征邪恶的犹大之间的戏剧性对比表达了自已对人生的看法。1503年达·芬奇回到佛罗伦萨,并在这段时间内完成了名作《蒙娜丽莎》(1503-1506),这幅肖像画的意义在于通过一个普通市民女性的形象表达了人对于自身的肯定,及对美好事物的向往。1506年达·芬奇再度回到米兰,在以后的年代里他还画了《丽达)、《圣安娜)等作品。1516年达·芬奇因国内动乱,以宫廷画家的身份来到法国,最后在法国去世。达·芬奇是一个伟大的现实主义画家,他的艺术实践和艺术理论都是人类文化史上最珍贵的遗产。

  作为雕塑家和画家的米开朗基罗( Michelangelo Buonarroti,1475-1564)走的是和达·芬奇不同的道路,他不像达·芬奇那样充满科学精神和哲理思考,而是在艺术作品上倾注了自己满腔悲剧性的激情。


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  米开朗基罗在少年时代就进了著名的“美第奇花园”,在那儿接受了艺术训练,并接触到大量收藏在那儿的古代艺术珍品,在他的早期作品中就流露出不凡的气质。1501-1504年,米开朗基罗为故乡佛罗伦萨创作了著名的《大卫》雕像,他表现的是建功立业以前的大卫,一个充满愤怒和力量的青年人。这种力量也是人文主义者向往的自由的人所具有的巨大潜力。也正因为这一点,这件作品成为文艺复兴时代英雄的象征。1508-1512年之间,米开朗基罗应教皇朱诺二世的委托,创作了西斯庭礼拜堂的天顶画《创世纪》,表现出他在绘画上的独创性。在天顶画中他同样是通过神的题材表现人的伟力。在《创世纪》中,米开朗基罗把人的生命的获得表现为两只有力的手的接触;在(偷吃禁果〉中,他又强调人物自主独立的情感,使夏娃的表情充满挑战;在《洪水》中则是充满了戏剧性,一系列个别的悲剧情节背后透露的是人的信心。在朱诺二世死后,新任教皇利奥十世命米开朗基罗设计朱诺二世陵墓,这项工程前后耗费十数年时间。祖国的灾难、民族的痛苦和艺术家个人思想感情上的矛盾都在作品中留下了深深的烙印,其中《摩西)最令人震撼。这个形象和大卫一样,是艺术家心目中拯救民族、摆脱苦难的英雄人物。人物意志高度集中,不仅体现在令人生畏的目光上,同时也表现在对摩西粗壮的体格的极度夸张上,体现在肌肉的紧张上,乃至于完全揉皱的衣褶上。如果说《大卫》体现的是一种信心的话,那么《摩西》则体现了作为人的威严。在他随后为梅迪奇小礼拜堂设计的雕像中,通过《晨)、《暮)、《昼)、《夜组形象深刻揭示了艺术家内心的痛苦和彷徨。祭坛画《最后的审判)是米开朗基罗晚年的重要作品,从1534-1541年花费了他6年时间,画于西斯庭礼拜堂。这件宏伟的作品是米开朗基罗对人生的总结,也是对当代历史的裁判。壁画构图的处理与构思取得了一致,构图并未突出明确的秩序与结构,而是强调一种自然的安排。这件作品的成功和伟大之处在于从人与人的相互关系中产生了统一的人的集体形象,而色彩的巧妙的使用又使壁画具有了戏剧性的紧张。米开朗基罗艺术中的悲剧性是以宏伟壮丽的形式出现的,他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反映。正是在他的艺术里,文艺复兴时期的人文主义理想得到了全面而鲜明的表达,因为米开朗基罗有意、无意地流露出人文主义思想的核心,即人的主动性与积极作用以及人建功立业的能力,所以米开朗基罗的艺术几乎成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

  拉斐尔( Raphael Sanzio,1483-1520)出生于翁布里亚,早期在画家佩鲁吉诺的工场学习,后来他的画面上始终洋溢着的明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感,都得益于他所受的早期教育。


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  1508年,拉斐尔应友人雕刻家、建筑家布拉曼特的邀请来到罗马,他以后的许多著名作品都是在这里完成的。他为梵蒂冈宫绘制的三幅壁画《雅典学院》、《巴尔纳斯山)和《圣典辩论》表现了个人文主义者对于真理和幸福的追求。但总的看来,《雅典学院》是这3幅作品中最优秀的一幅,也是拉斐尔最辉煌的作品,他把古代思想家与科学家的聚会安排在一个有拱门的大厅内,两边有阿波罗和雅典娜的雕像。画面正中央是柏拉图和亚里士多德,两人一个指天,一个指地,他们的手势分别代表着各自的学说。在他们周围还有各种姿态的学者和科学家,也是用特定的姿态表明他们各自的身份和学说。所以说,《雅典学院》里的人物形体比其他两幅具有更强烈的纪念碑倾向。无论从内容还是从形式上来看,这幅作品都标志着人文主义思想在文艺复兴时代美术中的最终胜利,也标志着人文主义思想与古代希腊、罗马文化的密切联系。显然,拉斐尔已经开始享受文艺复兴思想的成果了。这些作品也奠定了拉斐尔在罗马的声誉。拉斐尔是描绘女性形象的大师,到罗马之前,他笔下的圣母是美丽的平民妇女的形象,在她们身上体现出慈爱、善良、温顺的高尚品质,引起人们对生活的憧憬。到罗马以后,拉斐尔的圣母形象仍然是世俗的,但带上了几分贵族气派,最有名的是《西斯庭圣母),这幅画像一首优美的颂歌,将圣母的端庄和世俗的爱融为一体。拉斐尔与达·芬奇、米开朗基罗的不同之处就在于他以优美的、诗一般的绘画语言体现了人文主义的理想,他对美的孜孜不倦的追求对后世产生了巨大影响,他所确立的美的样式成为后来学院派古典主义的标准之一。

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